专家别再骂样板戏了！就冲以工农兵为主角这点，哪部京剧能做到？

点击：作者：诉说历史瞬间Moon 来源：今日头条发布时间:2024-04-21 12:35:25

如何正确看待京剧“样板戏”音乐？这个问题多年来一直牵动着许多人的心弦，它不仅反映了大众对群众文娱生活中戏曲音乐的深切关注，更彰显了人们对于京剧“样板戏”音乐这一复杂艺术现象的深刻思考。随着时间的推移，人们对事物的认识似乎越来越清晰，对京剧“样板戏”音乐的看法亦是如此。

京剧“样板戏”音乐是京剧剧作家、表演艺术家和音乐家们共同努力、辛勤创作的结晶。这些作品在1964年的京剧现代戏观摩演出中崭露头角，后来更是成为了标志性的“样板”京剧。

值得一提的是，这些京剧“样板戏”音乐的编曲者都明确标注了作者的姓名或创作单位名称，这无疑是对他们劳动成果的尊重和认可。

例如，《红灯记》是由刘吉典、李少春、李金泉、沈玉才、李广伯、敦根森等人共同编曲的；而《奇袭白虎团》则是由山东京剧团乐队编曲的。同样，《沙家浜》（原名《芦荡火种》）的编曲者包括李慕良、陆松龄、唐再炘、熊承旭等人；

《智取威虎山》由沈利群、高一鸣等编曲；《杜鹃山》则是李慕良、马连良、裘盛戎等人的原创编曲；而《红色娘子军》则是杨培、关亚农等人的原创编曲。这些现代京剧作品在后来的加工修改过程中，都凝聚了音乐家们的心血和智慧。

然而，值得注意的是，有一些京剧“样板戏”音乐在特殊的历史时期被强制署名为“集体创作”，这导致当时的人们无法得知其真正的编曲者是谁。但无论如何，这些作品都是出自有姓有名的音乐家之手，这是可以查证的。

在传统京剧中，唱词往往不太重视艺术文学性，但现代京剧则不同。以现代京剧《沙家浜》为例，其唱词优美动人，曲表人情，在文学性上有着较高的要求，也展现了较高的审美水平。歌曲《春来沙家浜》便延续了现代京剧唱词的“意境化”特点。这里的“意境”一词主要可以从“情”和“景”两个方面来分析。

歌曲《春来沙家浜》的前半部分以写“情”为主，从回忆开始描绘，歌词中的“那段情缘”将听众缓缓带回那个年代的故事中，让人不禁产生一种时光飞逝、回首已过多年的叹惜之情。而在“春梦无痕，秋月如霜”的歌词中，作者巧妙地运用了比喻的修辞手法，将清冷的秋月比作霜，进一步加深了往事不可追忆的情感，使听众产生更强的共鸣。

随着歌曲的推进，“可是你那俊俏的模样”这句歌词慢慢将故事从迷茫走向清晰，仿佛曾经的场景呼之欲出。紧接着是歌曲的副歌部分，首先的两句便是现代京剧的经典唱段《智斗》中的戏词，将听众彻底拉回到《沙家浜》的故事里。

随后，歌曲在经典唱段的基础上进行了改编，改编的唱词中加入了许多具有区域特征的景象，如“芦苇”“碧波”“稻花”“杨柳”“渔歌”等，同时也不忘融入经典唱词中的“七星灶”“铜壶”“八仙桌”等具有时代特征的元素，使当时的场景仿佛触手可及，更让听众有一种身临其境的现实感。

作者以情开篇，后又以情喻景，以景喻情，将描绘的场景与所要表达的情感融为一体，使听众在欣赏过程中能够感受到一种时有时无、亦梦亦真的意境。这种高水平的艺术表现不仅展现了作者的浪漫主义色彩，也让人对京剧“样板戏”音乐有了更深的认识和理解。

歌唱中的语言表达无疑是声乐学习中的一项至关重要的功课。对于一位追求声乐艺术完美的演唱者来说，吐字咬字的准确性无疑是关键中的关键。正确的发音只是咬字的基础，而真正的艺术在于字正腔圆、行腔自如。在演绎声乐作品时，我们既要保持原有的民族风格，又要确保咬字、吐字的清晰度，使每一个音符、每一个字都充满生命力。

在《春来沙家浜》这首作品的演唱过程中，我们需要时刻保持一种哈欠状的口腔状态，同时让身体自然舒展，使自己进入一种积极而兴奋的歌唱状态。

在咬字的过程中，嘴巴应放松，不宜过多地变换口型，位置要统一，以确保咬字清晰、快速而自然。特别是作品中每一句的最后一个音，如“上”、“唱”等字，很容易在演唱时吞掉字头往后咬，导致咬字含糊不清。因此，我们必须靠前咬字，尤其是“s”和“c”的发音要辨别得十分清楚。

而在音调较高的地方，如“芦苇青青，碧波荡荡”中的“yi”和“ang”发音，技术处理不当很容易导致咬字变形，声乐位置改变，发声变得尖锐刺耳，给观众带来不舒适的感受。因此，我们必须保持位置一致，打开腔体，用身体的力量带动情绪，推开气息，提前做好应对高音的准备，以呈现出最佳状态，给观众带来更好的情感体验。

行腔作为歌唱的一种表现形式，是演唱者对曲谱的深入理解与处理的体现。《春来沙家浜》这部作品融入了京剧经典唱腔，独具风味。戏曲唱腔的发声通道是放松而流畅的，腔体保持直立，后咽壁有力。

在演唱时，我们应保持正确的咬字和发声，位置统一，音色明亮，并注重口鼻腔的共鸣效果。特别是在京剧《沙家浜》中唱段《智斗》的演唱中，阿庆嫂的唱腔采用了西皮流水的曲调，这种曲调活泼欢快，唱腔刚劲有力，节奏紧凑。演唱者需要运用气息的支撑，咬字清晰，情感表达到位，通过技术与情感的完美结合，为听众带来良好的视听享受。

《智斗》中还有一段独特的三人背供唱，这是一种各人想各人心事的表现形式。在唱腔上，它实际上是一种独特的对唱变体，阿庆嫂与胡传魁、刁德一的独立唱词在音乐上形成了上下句的关系。

胡、刁的唱腔不稳定，而阿庆嫂的唱腔则坚定有力。特别是在某些关键节点，阿庆嫂通过巧妙的唱腔处理，展现出了她的从容与智慧，使得整个表演更加生动传神。

此外，电影《白毛女》中的音乐也为我们提供了丰富的艺术借鉴。这部作品在吸收和改编中国传统民歌与戏曲的基础上，借鉴了传统民歌的主旋律，创造出了更多生动优美的旋律，成功地塑造了一系列鲜活的人物形象。

例如，影片中喜儿独自在家等爹爹回家过年时哼唱的歌曲，就是借鉴了《小白菜》的主旋律。这首歌曲通过旋律的巧妙变化，刻画了喜儿期盼爹爹回家的急切心情以及老百姓生活的艰辛。同时，歌曲也揭示了戏剧冲突的基础——阶级压迫与剥削，为我们呈现了一个真实而感人的艺术世界。

在中国民族新歌剧的浩瀚星空中，众多经典旋律如璀璨星辰般闪烁，如《北风吹》、《扎红头绳》、《数九寒天下大雪》、《红梅赞》、《绣红旗》、《一道道水来一道道山》、《洪湖水浪打浪》等，这些旋律如诗如画，让人心驰神往。这些优美的音乐主题不仅成就了众多歌剧，更通过口口相传，飞入寻常百姓家，成为了时代的印记。

正如民族音乐理论家刘正维所言：“歌剧通过主题的创作与贯穿使用，使得作品的音乐形象迅速深入人心，如虎添翼般传遍神州大地。”每一部歌剧都塑造着鲜活的人物形象，而每一个人物又有着其独特的个性。歌剧音乐正是为了展现这些不同人物的性格而创造的，它赋予了角色以灵魂，让角色在舞台上鲜活起来。

在歌剧的创作初期，秧歌往往直接引用民歌，缺乏改编与创作，这在一定程度上影响了戏剧的冲突效果。然而，歌剧《白毛女》却打破了这一局限。它在吸收和改编中国传统民歌与戏曲的基础上，借鉴了传统音乐的主音调，通过巧妙的改编与创造，展现了一系列优美的旋律。与此同时，一个个栩栩如生的音乐形象也得以在舞台上展现，为观众带来了震撼心灵的视听盛宴。

《北风吹》的主题旋律一响起，便预示着喜儿的出场。随着张二婶的出现，喜儿与她相认，情感得以升华。紧接着，在“严惩汉奸恶霸黄世仁”的口号中，大家集体合唱，情绪激昂，士气高涨。最终，黄世仁被枪决，众人欢呼，此时陕北民歌《春节序曲》的变奏响起，圆号奏出一遍完整的《北风吹》，预示着喜儿和人民得以解放。当《三大纪律八项注意》再次出现时，也标志着喜儿加入了革命，开始了她的革命生涯。随着革命的步伐，喜儿的背影逐渐远去，全剧终了，但留给观众的却是无尽的思考与感动。

歌剧《白毛女》不仅是中国新歌剧的里程碑，更是我国许多作曲家继承和借鉴的宝贵经验。从民歌、说唱、戏曲中汲取营养，使中国歌剧的发展始终保持着鲜明的中国特色。例如，1959年创作并演出的《洪湖赤卫队》，就是表现洪湖人民在贺龙领导下进行土地革命的故事。作曲家在确定歌剧的基本音乐语言时，广泛运用了湖北天沔花鼓和天门等地区的民间音乐素材，使得作品充满了浓郁的地方特色。

同样，1964年由中国人民解放军空政文工团根据小说《红岩》改编创作的歌剧《江姐》，主要表现党员江姐在四川革命时宁死不屈、英勇就义的故事。作曲家在创作中以四川民歌为主，广泛吸取了川剧、四川清音、越剧、京剧等多种语言进行创作，使得歌剧不仅具有浓郁的四川地方色彩，而且戏剧性特点也极为突出。